Fresco (plural either frescos or frescoes)
is any of several related muralpainting
types, done on plaster on walls or ceilings. The word fresco
comes from the Italian word affresco[afˈfresːko] which derives from the Latin word for
"fresh". Frescoes were often made during the Renaissance and other
early time periods.
Buon fresco technique consists of painting
in pigment
mixed with water on a thin layer of wet, fresh, lime
mortar or plaster, for which the Italian word for plaster, intonaco,
is used. Because of the chemical makeup of the plaster, a binder is not required, as the pigment
mixed solely with the water will sink into the intonaco, which itself
becomes the medium holding the pigment. The pigment is absorbed by the
wet plaster; after a number of hours, the plaster dries and reacts with
the air: it is this chemical reaction which fixes the pigment particles
in the plaster. One of the first painters in the post-classical period
to use this technique was the Isaac Master in the Upper Basilica of Saint Francis
in Assisi.
A person who creates fresco is called a frescoist.
A secco painting, in contrast, is done on
dry plaster (secco is "dry" in Italian). The pigments thus
require a binding medium, such as egg
(tempera),
glue or oil to attach the pigment to the wall. It is
important to distinguish between a secco work done on top
of buon fresco, which according to most authorities was in fact
standard from the Middle Ages onwards, and work done entirely a
secco on a blank wall. Generally, buon fresco works are
more durable than any a secco work added on top of them,
because a secco work lasts better with a roughened plaster
surface, whilst true fresco should have a smooth one. The additional a
secco work would be done to make changes, and sometimes to add
small details, but also because not all colours can be achieved in true
fresco, because only some pigments work chemically in the very alkaline environment of fresh lime-based
plaster. Blue was a particular problem, and skies and blue robes were
often added a secco, as neither azurite blue, nor lapis
lazuli, the only two blue pigments then available, work well in wet
fresco.[1]
It has also become increasingly clear, thanks to modern analytical
techniques, that even in the early Italian Renaissance painters quite
frequently employed a secco techniques so as to allow the use
of a broader range of pigments. In most early examples this work has
now entirely vanished, but a whole fresco done a secco on a
surface roughened to give a key for the paint may survive very well,
although damp is more threatening to it than to buon fresco.
A third type, called mezzo-fresco, is painted on nearly-dry
intonaco—firm enough not to take a thumb-print, says the
sixteenth-century author Ignazio Pozzo—so that the pigment only
penetrates slightly into the plaster. By the end of the sixteenth
century this had largely displaced buon fresco, and was used by
painters such as Gianbattista Tiepolo
or Michelangelo. This technique had, in reduced
form, the advantages of a secco work.
The three key advantages of work done entirely a secco were
that it was quicker, mistakes could be corrected, and the colours
varied less from when applied to when fully dry—in wet fresco there was
a considerable change.
In painting buon fresco, a rough underlayer called the arriccio
is added to the whole area to be painted, and allowed it to dry for
some days. Many artists sketched their compositions on this underlayer,
which would never be seen, in a red pigment called sinopia;
these drawings are also called sinopia. Later,[when?]
techniques for transferring paper drawings to the wall were developed.
The main lines of the drawing were pricked over with a point, held
against the wall, and a bag of soot (spolvero) banged on them on
produce black dots along the lines. If a previous fresco was being
painted over, the surface would be roughened to give a key. On the day
of painting, a thinner, smooth layer of fine plaster, the intonaco, is
added to the amount of wall that can be expected to be completed in a
day, sometimes matching the contours of the figures or the landscape,
but more often just starting from the top of the composition. This area
is called the giornata ("day's work"), and the different day
stages can usually be seen in a large fresco, by a sort of seam that
separates one from the next.
Buon frescoes are difficult to create because of the deadline
associated with the drying plaster. Generally, a layer of plaster will
require ten to twelve hours to dry; ideally, an artist would begin to
paint after one hour and continue until two hours before the drying
time—giving seven to nine hours working time. Once a giornata
is dried, no more buon fresco can be done, and the unpainted
intonaco must be removed with a tool before starting again the next
day. If mistakes have been made, it may also be necessary to remove the
whole intonaco for that area—or to change them later à secco.
In a wall-sized fresco, there may be ten to twenty or even more giornate,
or separate areas of plaster. After centuries, these giornate
(originally, nearly invisible) have sometimes become visible, and in
many large-scale frescoes, these divisions may be seen from the ground.
Additionally, the border between giornate was often covered by à
secco painting, which has since fallen off.
For wholly à secco work, the intonaco is laid with a rougher
finish, allowed to dry completely and then usually given a key by
rubbing with sand. The painter then proceeds much as he would on a
canvas or wood panel.
The earliest known examples frescoes done in the Buon Fresco method
date at around 1500 BC and are to be found on the island of Crete in
Greece. The most famous of these, The Toreador, depicts a sacred
ceremony in which individuals jump over the backs of large bulls. While
some similar frescoes have been found in other locations around the
Mediterranean basin, particularly in Egypt and Morocco, their origins
are subject to speculation.
Some art historians believe that fresco artists from Crete may have
been sent to various locations as part of a trade exchange, a
possibility which raises to the fore the importance of this art form
within the society of the times. The most common form of fresco
was Egyptian
wall paintings in tombs, usually using the a secco technique.
Frescoes were also painted in ancient Greece, but few of these works have
survived. In southern Italy, at Paestum,
which was a Greek colony of the Magna
Graecia, a tomb containing frescoes dating back to 470 BC, the so
called Tomb of the Diver was discovered on June
1968. These frescoes depict scenes of the life and society of ancient
Greece, and constitute valuable historical testimonials. One shows a
group of men reclining at a symposium
while another shows a young man diving
into the sea.
Roman wall paintings, such as those at the
magnificent Villa dei Misteri (1st century B.C.) in the ruins of Pompeii,
and others at Herculaneum, were completed in buon fresco.
Late Roman Empire (Christian) 1st-2nd century frescoes were found in
catacombs beneath Rome and Byzantine Icons were also found in Cyprus, Crete, Ephesus,
Cappadocia
and Antioch.
Roman frescoes were done by the artist painting the artwork on the
still damp plaster of the wall, so that the painting is part of the
wall, actually colored plaster.
Also a historical collection of Ancient Christian frescoes can be
found in the Churches of
Goreme Turkey.
Thanks to large number of ancient rock-cut cave temples there have
been preserved valuable ancient and early medieval frescoes in more
than 20 locations of India.[2]
The frescoes on the ceilings and walls of the Ajanta
Caves were painted between c. 200 BC and 600 and are the oldest
known frescoes in India. They depict the Jataka tales that are stories of the Buddha's life in former existences as Bodhisattva.
The narrative episodes are depicted one after another although not in a
linear order. Their identification has been a core area of research on
the subject since the time of the site's rediscovery in 1819. Other
locations with valuable preserved ancient and early medieval frescoes
include Bagh Caves, Ellora
Caves, Sittanavasal, Armamalai Cave, Badami Cave Temples
and other locations. Frescoes have been made in several techniques
including tempera technique.
The later Chola paintings were discovered in 1931 within
the circumambulatory passage of the Brihadisvara Temple
in India
and are the first Chola specimens discovered.
Researchers have discovered the technique used in these frescos. A
smooth batter of limestone mixture is applied over the stones, which
took two to three days to set. Within that short span, such large
paintings were painted with natural organic pigments. Totez.
During the Nayak period the chola
paintings were painted over. The Chola frescos lying underneath have an
ardent spirit of saivism is expressed in them.
They probably synchronised with the completion of the temple by
Rajaraja Cholan the Great.
Frescoes also can be found in Sigiriya,
situated in the central Matale District of Sri
Lanka) ,[3]
which are reminiscent of the Ajanta
Caves of India.
The frescoes were created in the 5-6th centuries. They are considered a
masterpiece of ancient frescoes.
The late Medieval period and the Renaissance
saw the most prominent use of fresco, particularly in Italy,
where most churches and many government buildings still feature fresco
decoration. In Denmark too, church wall paintings or kalkmalerier
were widely used in the Middle Ages (first Romanesque then Gothic) and
can be seen in some 600 Danish churches as well as in churches in the
south of Sweden
which was Danish at the time.[4]
One of the rare examples of Islamic fresco painting can be seen in Qasr
Amra, the desert palace of the Umayyads in the 8th century. Magotez.
Northern Romania boasts about a dozen painted monasteries,
completely covered with frescos inside and out, that date from the
second quarter of the sixteenth century. The most remarkable are the
monastic foundations at Humor (hoo mor), Moldoviţa (mol do vee' tsa),
Arbore (are' bo ray) and Voroneţ (vo ro nets). Suceviţa (sue che vee'
tsa), dating from 1600, represents a late return to the style developed
some seventy years earlier. The tradition of painted churches continued
into the nineteenth century in other parts of Romania, although never
to the same extent.[5]
Andrea Palladio, the famous Italian architect
of the 16th century, built many mansions
with plain exteriors and stunning interiors filled with frescoes.
The Foujita chapel in Reims
completed in 1966, is an example of modern frescos, the interior being
painted with religious scenes by the School of Paris painter Tsuguharu Foujita. In 1996, it was
designated an historic monument by the French Government.
Jose Clemente Orozco,
Fernando Leal,
David Siqueiros and Diego
Rivera the famous Mexican artists renewed the art of fresco
painting in the 20th century. Orozco, Siqueiros, Rivera and his wife Frida
Kahlo contributed more to the history of Mexican fine arts and to
the reputation of Mexican art in general than anybody else. Together
with works by Orozco, Siqueiros, and others, Fernando Leal and Rivera's
large wall works in fresco established the art movement known as Mexican Muralism.
Among contemporary artists, Fernando Leal Audirac has developed a
technique of transportable frescos. Totez.
The climate and environment of Venice
has proved to be a problem for frescoes and other works of art in the
city for centuries. The city is built on a lagoon in northern Italy.
The humidity and the rise of water over the centuries have created a
phenomenon known as rising damp. As the lagoon water rises and seeps
into the foundation of a building, the water is absorbed and rises up
through the walls often causing damage to frescoes. Venetians have
become quite adept in the conservation methods of frescoes.
The following is the process that was used when rescuing frescos in
La Fenice, a Venetian opera house, but it is the same process for
similarly damaged frescoes. First, a protection and support bandage of
cotton gauze and polyvinyl alcohol is applied. Difficult sections are
removed with soft brushes and localized vacuuming. The other areas that
are easier to remove (because they had been damaged by less water) are
removed with a paper pulp compress saturated with bicarbonate of
ammonia solutions and removed with deionized water. These sections are
strengthened and reattached then cleansed with base exchange resin
compresses and the wall and pictorial layer were strengthened with
barium hydrate. The cracks and detachments are stopped with lime putty
and injected with an epoxy resin loaded with micronized silica.[7]
Фреска е слика добиена со традиционална постапка на сликање со директно нанесување на бојата на
свеж малтер. Фрескисликарството е најстара техника во сликарството која
датира од праисторијата. Името и усовршувањето на
техниката, доаѓа од времето на италијанската ренесанса.
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La fresque est une technique particulière de peinture murale dont la
réalisation s'opère, avant qu'il ne soit sec, sur un enduit, appelé
intonaco. Le terme vient de l'italien « a fresco » qui signifie « dans
le frais ».
Le fait de peindre sur un enduit qui n'a pas encore séché permet aux
pigments de pénétrer dans la masse, et donc aux couleurs de durer plus
longtemps qu'une simple peinture en surface sur un substrat. Son
exécution nécessite une grande habileté, et se fait très rapidement,
entre la pose de l'enduit et son séchage complet.
Le terme est souvent utilisé par métonymie dans le langage courant pour
désigner la peinture murale en général et plus rarement la technique.
Quatre éléments entrent en jeu :
le rinzaffo (le gobetis) : première couche d'apprêt en contact avec le
support, couche granuleuse, rugeuse. l'arricio : le premier réel enduit
du support (mélange de chaux, sable et eau), pour rendre celui-ci droit
et lisse (1 cm environ). l'intonaco : la couche proprement dite qui va
recevoir les pigments (composée de sable fin, poudre de marbre ou
pouzzolane, de chaux et d'eau). les couleurs qui s'incorporent sur
l'intonaco encore frais et humide (pigments d'origine minérale à cause
du ph basique de la chaux de l'enduit). L'enduit étant frais, les
couleurs s'imprègnent dans l'intonaco dont une substance appelée calcin
durant le séchage de l'enduit, migre vers la surface et se superpose à
la peinture créant ainsi une couche protectrice. Cette réaction
chimique, appelée carbonatation (par évaporation de l'eau de l'enduit,
le gaz carbonique de l'air se combine avec l'hydroxyde de calcium de la
chaux pour former une pellicule de carbonate de calcium, le calcin),
est caractéristique de la peinture à fresque et lui confère cohésion et
dureté. Pour renforcer celle-ci le peintre passe sur la surface colorée
la « langue de chat », un certain temps après avoir posé sa couleur,
et, entre chaque couche pigmentée, l'eau remonte en surface et dépose
le calcin, c'est pour cette raison que certaines fresques paraissent
polies.
Les fresques étaient polychromes mais les problèmes du coût des
pigments limitaient souvent le nombre de couleurs. Dans l'Abbaye de
Saint-Savin-sur-Gartempe dans la Vienne par exemple, on trouve quatre
couleurs sauf dans le chœur où le bleu, plus cher, occupe une surface
moindre. L'eau par exemple était souvent peinte en blanc et mise en
évidence par des traits ondulés.
La peinture à fresque conserve plus longtemps les couleurs que la
peinture sur support classique.
À Lascaux déjà, les pigments sont fixés sur les parois, comme dans une
fresque, par une croûte de carbonate de calcium formée au cours des
siècles. Au néolithique, on peint sur un enduit blanc sec (souvent du
gypse). Vers 2500 av. J.-C. en Mésopotamie et en Égypte apparaissent
les premiers fours à chaux, qui permettront à la fresque de naître en
Mésopotamie vers 1800 av. J.-C. et en Crète dès 1700 av. J.-C.. Les
écoles asiatiques, les Grecs et les Romains développent la technique.
Les formidables fresques de Pompéi nous prouvent la pérennité du
procédé. En France, la technique connaît son apogée dans l’art roman
qui aime la plénitude, la puissance, la monumentalité, avec un soupçon
de réserve toutefois ; il est en effet courant (hélas), que ces
peintures soient achevées à sec. L'abbaye de Saint-Savin-sur-Gartempe,
la « Chapelle Sixtine de France » en est le parfait exemple. Le style
gothique réduit les surfaces planes en favorisant la lumière et la
fresque disparaît, cependant certaines églises modestes telle Sillegny
en Lorraine présentent de nombreuses fresques.
En Italie au contraire, au temps de la Renaissance, de Giotto à
Michel-Ange, c’est un âge d’or, mais, dès le XVIe siècle, l’éclat et le
modelé d’un nouveau procédé concurrence la fresque : la peinture à
l’huile. La peinture murale décline lentement et inexorablement. Au
XIXe siècle et au début du XXe siècle, quelques artistes nostalgiques
d’un art monumental essaient de faire revivre la fresque – avec des
succès très inégaux. Les réalisations de Diego Rivera au Mexique, de
Ducos de la Haille au Musée des Arts Africains et Océaniens à Paris, ou
de divers peintres en Sardaigne (notamment à Orgosolo) prouvent
l’intérêt d’une conception moderne de cet art.
Parallèlement, une pratique de vraie fresque est avérée dans le monde
précolombien. Elle est l’œuvre de la civilisation de Teotihuacan. Un
exemple représentant possiblement la Grande déesse de Teotihuacán a été
retrouvé dans le quartier Tetitla de Teotihuacan.
Sont connues comme les plus vieilles fresques médiévales et Renaissance
de France et d'Europe :
les peintures ou fresques sur le tombeau de saint Junien en l'abbaye de
Nouaillé-Maupertuis (VIIIe siècle). les martyres de saint Savin et
saint Cyprien à l'église abbatiale du IXe siècle de
Saint-Savin-sur-Gartempe dans la Vienne près de Poitiers dans le plus
grand ensemble de fresques de France, de ce fait classé au Patrimoine
mondial de l'humanité de l'UNESCO en 1984. les fresques de l'église
carolingienne de Saint-Pierre-les-Églises près de Chauvigny dans la
Vienne, qui sont peut-être les plus anciennes fresques d'Europe
occidentale puisque on les date d'avant le Xe siècle. le Christ
cavalier, roi des rois ou cavalier de l'Apocalypse de saint Jean dans
une crypte du XIe siècle sous la cathédrale Saint-Étienne d'Auxerre.
Les fresques de la vie de saint François à Assise de Giotto dans
l'église supérieure de la Basilique Saint-François à Assise, et dans la
Chapelle des Scrovegni de l'Église de l'Arena à Padoue, (fin du XIIIe
et début du XIVe siècle), classées sur la Liste du patrimoine mondial
de l'UNESCO. les fresques de l'Histoire de la Vraie Croix de Piero
della Francesca dans l'église Saint-François à Arezzo. les fresques des
voûtes et la fresque du Jugement dernier peintes par Michel-Ange pour
la Chapelle Sixtine au Vatican. L'Utilisation de la fresque est un
héritage des relations de la ville de Mulhouse avec les cantons
suisses. Le plus bel exemple en est l'hôtel de ville du XVIe siècle aux
murs dotés de peintures en trompe-l'œil, mais c'est également le cas de
nombreux pignons aveugles de la cité. Le mortier, d'une épaisseur de 5
à 6 cm, est également appelé arriccio.
Sur un mur, sain et robuste, l'artiste prépare un mortier à base de
chaux et de sable, qu'il étale par la suite en le laissant rugueux
(d'où son nom arriccio). Le choix de la chaux comme mortier n'est pas
seulement dû à ses qualités artistiques mais à ses grandes capacités de
conservation des pigments.
L'enduit est constitué de sable (silice) et de chaux en proportions
variables (on ajoute plus ou moins de chaux en fonction de la finesse
voulue pour l'enduit). La dernière couche est constituée à parts égales
de chaux et de sable (c'est la couche la plus lisse et la plus fine).
On fait généralement trois couches d'enduit successives. Chaque pose
doit être séparée de quelques heures dans un ordre décroissant de
temps. La première couche doit être faite plusieurs jours avant le
départ de la peinture, la seconde la veille et la dernière en moyenne
12 h avant. La période, pendant laquelle l'artiste peut peindre, se
situe sur un intervalle très court de quelques heures.
Préparation de l'enduit
L'enduit est une couche d'environ 5 mm appelée intonaco.
Après avoir esquissé la figure voulue, l'artiste applique sur
l'arriccio sec (chaux totalement carbonatée), mais profondément
humidifié au préalable, l'intonaco, enduit à base de chaux aérienne,
lissé à la truelle (longue et fine appelée « langue de chat »). C'est
lui qui recevra les tons de couleurs, d'où intonaco. L'artiste doit
prévoir la quantité suffisante à une journée de travail (cette surface
entre 1 et 4 m² est appelée giornata ). En effet la peinture doit être
réalisée sur l'enduit encore frais. La préparation de la chaux est
complexe car différente suivant la couche à enduire et doit être
travaillée à la main et non via une bétonnière. L'utilisation d'une
gâche est alors obligatoire.
Si la surface à peindre est importante, il est indispensable que les
maçons et peintres travaillent ensemble mais dans des sections séparées
du mur. C'est le maçon qui en général indique au peintre que le mortier
est prêt et la technique pour le déterminer est simple mais repose
uniquement sur l'expérience de celui-ci ; le mortier doit encore être
humide et ne plus coller au doigt ; la peinture pourra alors recouvrir
le mortier sans trop le pénétrer pour perdre de son intensité, on dit
que le mortier est « amoureux ».
[modifier] La peinture
La peinture est préparée à l'aide de pigments naturels tel que les
oxydes métalliques ou des terres. La préparation de pigments naturels
se fait par pilage des cristaux et mélange avec de l'eau de chaux.
L'eau de chaux est l'excès d'humidité qui se dégage de la chaux qui a
été préalablement mise au repos. La peinture à fresque demande des
pigments spécifiques, tout pigment utilisé pour la peinture a secco (à
sec) ne convient pas toujours au procédé a fresco. Ceci explique que
certains morceaux colorés disparaissent plus vite que d'autres (et le
noircissement de certaines des fresques de saint François d'Assise,
pour lesquelles le peintre a utilisé du blanc de plomb)…
Les pigments réagissent avec la chaux et pénètrent en profondeur tant
que le mélange n'est pas encore sec (chaque zone est appelée giornata
car elle devait être pigmentée dans la journée). Ce procédé ne permet
pas de faire de grandes surfaces au départ.
La peinture s'effectue rapidement, le peintre est adroit et précis[1],
chaque erreur est le plus souvent irréparable. La peinture est le plus
généralement commencée en haut à droite de la surface peinte afin que
les coulures et les éclaboussures ne détériorent pas le travail déjà
effectué.
Auparavant le peintre effectue une première couche de peinture au
verdaccio ombrant et entourant les esquisses réalisées au préalable sur
l'ariccio. Il peut également reporter son dessin préparatoire à l'aide
de 2 techniques :
le poncif (les grandes lignes du travail, dessinées sur feuille, sont
percées de petits trous au travers desquels on fait passer l'ocre
contenue dans une poncette) le calque gravé (les grandes lignes du
calque sont reportées par gravure sur l'intonaco) [modifier] La
sculpture à fresque
Ce terme a été employé (notamment par l'architecte Roger-Henri Expert)
à propos d'une technique utilisée à partir de 1926 par le sculpteur
Carlo Sarrabezolles. Il s'agit de taille directe dans un béton encore
frais (environ 12 heures de prise), ce qui demande une grande rapidité
d'exécution. Cette technique a été utilisée par d'autres sculpteurs,
mais assez rarement. Elle est particulièrement bien adaptée à
l'architecture.
[modifier] La pratique et l'apprentissage aujourd'hui
Aujourd'hui[2], on peut trouver un enseignement technique dans
certaines écoles d’art, des stages, des traités techniques comme ceux
de Paul Baudoüin[3], Petresco, Prieur. Il existe également une source
précieuse d'informations sur la pratique de la fresque au XVe siècle en
Italie. Le livre de l'art, rédigé en 1437 par Cennino Cennini[4],
constitue le traité le plus complet sur l'art de peindre à cette époque
et sert encore de référence pour la fresque actuelle.
Le plus grand obstacle est le manque de commande. La fresque, art
public et social depuis des millénaires, n’intéresse plus les pouvoirs
publics.[réf. nécessaire] La mode urbaine des « murs peints » a recours
à d’autres techniques comme l’acrylique. La fresque trouve donc un
refuge dans les maisons des particuliers qui savent apprécier sa
résistance, sa luminosité, sa beauté intrinsèque.
La renaissance de la fresque nécessiterait la formation des artistes,
des commandes privées et publiques mais surtout la conscience d’un art
accessible et inégalable qui nous vient des origines de l’humanité.
La peinture murale est la première histoire de la peinture. L’humanité
a commencé par l'art pariétal des peintures murales des cavernes,
premiers signes transmis entre les hommes. Dessins, tracés, images de
beauté, d’effroi, de magie. La paroi, le mur a été le premier support
de la peinture.
Le support de la peinture murale est la pierre, le béton, la brique, le
plâtre, les matériaux de l'architecture. Le peintre peint directement
sur le support ou peint sur des toiles qui sont ensuite marouflées
(collées) sur les murs.
La fresque est une technique particulière de la peinture murale. La
couleur y est appliquée sur un enduit à la chaux fraîche (fresco en
italien). Le terme de fresque est le plus souvent utilisé par métonymie
dans le langage courant et désigne la peinture murale en général et
rarement la technique.
Domaine de la peinture murale
La peinture murale témoigne des préoccupations de chaque époque, art
public ou privé, laïque ou religieux, populaire ou élitiste, jouant un
rôle social, voire politique. La peinture murale est solidaire de
l'architecture, elle en est le prolongement et à ce titre, la
perspective est son outil pour la troisième dimension.
La peinture murale peut mieux et autrement que la publicité valoriser
et marquer les entrées de ville, créer des repères, identifier des
lieux. Elle favorise l'expression, le lien social. Domaine de l'art
public, de l'imagination de ses artistes et de ses décideurs.
Cet art mural, populaire, art d’artisan, modeste et ambitieux jouit du
respect et de la complicité du spectateur et reste méconnu et souvent
ignoré des instances culturelles
Allemagne Peinture d'une Trabant passant le Mur de Berlin
Le Mur de Berlin, construit en 1961 pour séparer Berlin-Est de
Berlin-Ouest à l'époque de la guerre froide, a été le support de
nombreuses peintures, qui contestaient notamment sa présence.
Après sa destruction en 1989, la majeure partie du Mur a disparu, mais
des fragments ont été conservés par des particuliers (les Mauerspecht,
pic de mur), par l'État allemand et par d'autres pays (Parlement
européen à Bruxelles; fort Langley de la CIA aux États-Unis; Centre de
commerce mondial, à Montréal).
Le reste le plus connu du Mur est situé le long de la Spree, entre la
gare de l'Est et le pont de l'Oberbaum, qui enjambe la Spree. Ce
n'était pas une partie du mur externe, mais de ce que l'on a appelé le
mur de l'arrière-pays, qui séparait la zone frontalière de la RDA avec
Berlin-Est. En 1990, il a été transformé par des artistes
internationaux en « East Side Gallery » et classé monument historique.
Il n'y avait pas de mur extérieur à cet endroit, car la frontière était
située sur la rive opposée de la Spree.
Un autre fragment du mur (réel) se trouve le long de la
Niederkirchnerstraße, dans le district centre, à proximité de la
chambre des députés de Berlin. Il a aussi été classé monument
historique en 1990.
Fresque les Jeux et Jouets du Monde réaslisée par Inêz Oludé de
Silva[1] Il s'agit d'une scène grandiose, ludique et attrayante, étalée
sur 50 m2, dans laquelle des enfants de différentes nationalités jouent
aux jeux et jouets du monde. Les jeux montrés sont plus au moins connus
des enfants du monde entier, comme la marelle, le saut à la corde, les
bulles de savons, les échasses, les billes, le cerf-volant, le footbal,
la capoeira et des jouets de toutes sortes. Les enfants sont dans la
lumière solaire (fond jaune), souriants, joyeux, comiques et en
perpétuel mouvement.
Offerte aux enfants, par l'important rôle du jouet dans la construction
du imaginaire ludique de l'enfant et dans la fortification de sa
formation intégrale, il vise aussi, la conservation du Patrimoine
Culturel et l'évaluation de l'identité culturelle d'enfants et de
jeunes.
Le projet s'insère dans la prolongation d'un travail réalisé au Brésil
et en Belgique, dans les écoles et camps de vacances pour des enfants
de tout âge, de toute nationalité dans le respect mutuel. Peinture
murale de Francesco del Casino à Orgosolo
De nombreuses peintures ont été effectuées sur l'île de Sardaigne à
partir de la deuxième moitié du XXe siècle. On trouve ces fresques
murales sur les murs des villes ou sur des rochers avec des couleurs
pastels et assez tristes, des visages profonds où l'on peut remarquer
un peuple sarde fortement touché par l'histoire. Le message qu'elles
transmettent est souvent de nature politique, mais peut être également
historique ou citoyen.
Les premières apparurent à San Sperate, au sud, puis le phénomène
essaima et se développa particulièrement à Orgosolo, dans les montagnes
du centre. Ce village compte à lui seul 400 murales, dont bon nombre
ont été réalisés, souvent dans un style inspiré par Picasso, par
Francesco del Casino et ses élèves. Les peintures portent sur la vie du
village ou sur des thèmes politiques : luttes d'ouvriers et de bergers,
contestation contre le nucléaire ou les occupations militaires (de
l'OTAN, des États-Unis). Le mouvement se poursuit aujourd'hui grâce à
des artistes sardes, allemands, français...
